La Revista Coletivo Cine-Fórum (ISSN: 2966-0513) es una revista académica interdisciplinaria que, a partir de enero de 2026, adopta un modelo de publicación anual en flujo continuo. Es editada por Colectivo Cine-Fórum®, una editorial sin fines de lucro dedicada a la cultura, el arte y la difusión del conocimiento científico. La revista prioriza el Colegio de Humanidades (CAPES), teniendo como enfoque principal las siguientes áreas: Letras, Artes y Lingüística; Cine y Audiovisual; Filosofía y Sociología; Antropología y Cultura; Artes Visuales e Interartes; Psicoanálisis; Comunicación e Información. Además de campos afines de las Ciencias Humanas y Sociales Aplicadas, abarcando debates contemporáneos e interconexiones entre saberes. La Revista Coletivo Cine-Fórum está clasificada como Qualis B4.
a. Los autores conservan los derechos de autor y conceden a la revista el derecho de primera publicación, con la obra licenciada simultáneamente bajo la Licencia Creative Commons Atribución–NoComercial 4.0 Internacional, que permite el uso compartido y la adaptación, siempre que no sea con fines comerciales y se otorgue el crédito correspondiente. b. Los autores están autorizados a asumir contratos adicionales por separado para la distribución no exclusiva de la versión del trabajo publicada en esta revista (por ejemplo: publicar en un repositorio institucional o como capítulo de libro), con reconocimiento de la autoría y la publicación inicial en esta revista.
Este trabalho investiga as dinâmicas de gênero e sexualidade no gênero boys love (BL), utilizando como objeto de análise a obra Cherry Magic! em suas versões de mangá e adaptação para dorama. O estudo contextualiza o surgimento do BL a partir da demografia shōjo no Japão e sua posterior expansão audiovisual no Leste Asiático, especialmente por meio das produções live action tailandesas. Por meio de uma pesquisa bibliográfica fundamentada em autores como Mark McLelland, James Welker e Judith Butler, analisa-se a construção dos arquétipos seme e uke e como essas representações dialogam com o desejo e o imaginário do público primordialmente feminino, as fujoshis. Os resultados apontam que, embora Cherry Magic! mantenha traços tradicionais de gênero – como a diferenciação física e de papéis entre os protagonistas Adachi e Kurosawa – a obra também reflete tendências contemporâneas de flexibilização de normas de poder e maior proximidade com a realidade LGBTQIA+. Conclui-se que o BL funciona como um espaço de subversão e fantasia, onde as categorias de gênero são reelaboradas sob a perspectiva de um "fujoshi gaze".
Derechos de autor 2026 https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
O presente artigo analisa o romance A Cachorra (2017), da escritora colombiana Pilar Quintana, com foco na construção da subjetividade da protagonista Damaris a partir do conceito de trauma. O objetivo central é investigar de que modo o trauma opera como estrutura constitutiva do sujeito feminino representado na narrativa, não como elemento episódico, mas como fundamento da sua forma de sentir, agir e se vincular ao mundo. A análise articula três eixos teóricos complementares: a psicanálise freudiana e winnicottiana, com ênfase nos conceitos de trauma, compressão à repetição, reprexão e melancolia; o antimaternalismo de Vera Iaconelli (2023), que permite compreender a violência simbólica exercida sobre Damaris pela imposição social da maternidade como destino feminino obrigatório; e a crítica literária feminista de Elaine Showalter (1994) articulada ao conceito de entre-lugar de Silviano Santiago (2002), que situam o romance no interior de uma tradição literária que fala da margem para desestabilizar discursos hegemônicos. A análise demonstra que o comportamento de Damaris — incluindo seu vínculo ambivalente com a cachorra Chirli e o ato de violência que encerra a narrativa — é resposta coerente a um conjunto de experiências traumáticas não elaboradas, cuja estrutura se repete e se intensifica ao longo da obra. O trabalho se insere no campo dos estudos literários de orientação qualitativa, com abordagem analítico-interpretativa.
Este estudo analisa de que modo o uso estético de drones na promoção turística em redes sociais produz uma nova estesia do olhar aéreo e contribui para a espetacularização dos destinos. A partir de análise qualitativa de vídeos promocionais brasileiros e do enquadramento teórico da remediação, fenomenologia da percepção e teoria do espetáculo, demonstra-se que as tomadas aéreas (drone) operam como uma “montagem vertical” que gera um efeito de impacto sensorial (“efeito uau”), potencializado por lógicas algorítmicas e de cultura participativa. Conclui-se que essa estética droneana tende a homogenizar representações e a transformar lugares em mercadorias visuais hiper-reais, com implicações para autenticidade e gestão turística. Recomenda-se investigação empírica sobre recepção e políticas que promovam diversidade narrativa e sustentabilidade visual.
LA SEXUALIDAD FEMENINA SE DISTANCIA DEL MALE GAZE — CONTRIBUCIONES DE BABY GIRL PARA UN CINE FEMINISTA
Este artículo propone un análisis de la película Baby Girl (2024), dirigida por Halina Reijn, con el objetivo de investigar las particularidades de la sexualidad femenina desde una perspectiva que se distancia del concepto cinematográfico del male gaze, formulado por Laura Mulvey. El análisis fílmico se apoya en la Teoría Crítica para esclarecer el patriarcado como un elemento fundamental en este proceso de subserviencia femenina y sugiere su superación como camino hacia la emancipación. La reflexión parte de la relación entre sexualidad, percepción corporal y deseo femenino, comprendidos como construcciones históricas y culturales aún marcadas por tabúes y prejuicios. Para fundamentar este enfoque, se utilizan estudios sobre el cuerpo y la representación de la mujer, con apoyo teórico de autoras como Nancy Fraser, Laura Mulvey, Mary Del Priore y Naomi Wolf, promoviendo una lectura feminista del cine que posibilite nuevas formas de abordar la temática. Los resultados de este análisis señalan una tendencia de nuevos filmes feministas que se distancian del lenguaje del male gaze y crean espacios para narrativas alternativas en la industria cinematográfica.
Levando em consideração que a cinematografia de um produto audiovisual funciona como uma ferramenta de comunicação e que os videoclipes trazem uma nova perspectiva sobre a canção através de uma camada visual, este trabalho tem como objetivo investigar a construção visual da performance no videoclipe Nerves (2021), dirigido e interpretado por DPR IAN, com direção de fotografia por Hoin Cho, a partir dos elementos técnicos e estéticos que constituem a sua cinematografia, utilizando para isso as etapas metodológicas propostas por Coutinho (2015) para a análise da imagem: a leitura, a interpretação e a conclusão. Trazemos como base teórica para esta pesquisa autores e autoras que abordam o videoclipe (Valente, 2003; Soares, 2012; 2013), performance (Carlson, 2009; Paim, 2019), a estética fotográfica (Moletta, 2009), os elementos e as técnicas cinematográficas (Bordwell e Thompson, 2013; Carreiro, 2021), e, a fotografia cinematográfica (Scansani, 2019; 2020). Ao fim da análise conseguimos perceber como os elementos técnicos e estéticos dentro da direção de fotografia do videoclipe em conjunto com a performance de DPR IAN trabalham para que a mensagem da canção seja transmitida de forma satisfatória, trazendo a introspecção e a reflexão proposta pelo artista, ao mesmo tempo em que potencializa e deixa explícita uma dor que o mesmo também quer esconder.
¿QUÉ PUEDE EL CINE EN UNA ESCUELA DONDE NO SE APAGA LA LUZ?
*]:pointer-events-auto scroll-mt-[calc(var(--header-height)+min(200px,max(70px,20svh)))]" dir="auto" tabindex="-1" data-turn-id="request-WEB:9883821d-8fc7-42a2-9095-4af0836c29e1-4" data-testid="conversation-turn-10" data-scroll-anchor="true" data-turn="assistant"> Este trabajo aborda la Educación Audiovisual, reconociendo su creciente densidad en el contexto de la Cultura Visual y de la escuela. Se alinea con la investigación académica que narra las relaciones entre audiovisual y educación a partir de la experiencia y de la primera persona, movilizando autores como Larrosa Bondía, bell hooks y Conceição Evaristo. La investigación se presenta como una escritura encarnada, motivada por la actuación del autor como profesor de Artes en dos CIEPs del Complejo de Maré, en Río de Janeiro. En un contexto desafiante de limitaciones materiales, el estudio reflexiona sobre secuencias didácticas que buscan desarrollar la espectatorialidad audiovisual como construcción plástica y expresiva, escapando de la mera significación o del simple alfabetismo mediático. Adoptando un antimétodo pos-estructural, la investigación se construye como un ensayo-imagen atento a los saberes-haceres docentes. El foco práctico reside en dispositivos pedagógicos creados a partir de la exhibición de películas (como Pan y Callejón, For the Birds y Maluum), seguidos de actividades expresivas como dibujos en historietas, creación de líneas de tiempo y elaboración de carteles/invitaciones. Tales prácticas buscan favorecer la expresión de los estudiantes, reconociendo el cotidiano escolar como un campo que se impone sobre cualquier pretensión de éxito o de sistematización.
El reconocimiento de una película va más allá de su calidad artística, de la fuerza de su narrativa o de la emoción que provoca en el público. Para que una obra cinematográfica alcance prestigio, es necesario atraer la mirada de su audiencia y conquistar espacios de visibilidad. En este contexto, la promoción de una película se entrelaza con el propio destino de la obra, siendo la estructuración de campañas de difusión un factor decisivo para su repercusión a nivel nacional e internacional. Desde esta perspectiva, este artículo tiene como objetivo analizar cómo diferentes herramientas de comunicación —tales como la publicidad, la propaganda, el marketing y las relaciones públicas— influyen en la visibilidad de una producción cinematográfica. El enfoque metodológico consiste en un estudio de caso de la película Aún estoy aquí, que retrata la opresión durante la dictadura militar en Brasil y se destacó en el premio cinematográfico más importante del mundo, con fuerte competencia de las producciones estadounidenses, tres nominaciones y una estatuilla del Oscar.
RELECTURAS DIGITALES DE VIDAS SECAS, DE GRACILIANO RAMOS
La lectura literaria, a pesar de su relevancia para la formación crítica, creativa y ciudadana, aún enfrenta desafíos pedagógicos derivados de prácticas tradicionalistas que alejan a los estudiantes del potencial formativo de los textos literarios. En el contexto contemporáneo, marcado por la cultura digital y por múltiples lenguajes, se vuelve necesario repensar metodologías que acerquen la literatura a los soportes y géneros digitales presentes en el cotidiano de los educandos. Este artículo analiza cómo propuestas didáctico-metodológicas fundamentadas en géneros textuales digitales pueden contribuir a la formación de lectores críticos en los Años Finales de la Educación Primaria. El estudio parte de la lectura de la obra Vidas secas, de Graciliano Ramos (2019 [1947]), a partir de la cual se desarrollaron tres proyectos: (i) “Leyendo en 1 minuto” (producción de videos-minuto), (ii) “Leyendo y releyendo” (elaboración de libros digitales) y (iii) “Jugando también se aprende” (creación de un juego digital). La investigación, de enfoque cualitativo, naturaleza aplicada y carácter descriptivo-analítico, adopta el formato de relato de experiencia y articula observación participante, análisis de los productos generados y análisis documental de los referentes teóricos y curriculares. Los resultados evidencian que el diálogo entre lectura literaria y cultura digital favorece procesos de autoría, participación y criticidad, ampliando la inclusión y la significatividad de los textos literarios en el proceso de enseñanza-aprendizaje. Las producciones demuestran síntesis, transposición de lenguajes, creatividad y compromiso estético, confirmando la hipótesis de que prácticas basadas en géneros textuales digitales resignifican la lectura literaria, tornándola más accesible, estimulante y formativa. Asimismo, se observó consonancia entre las propuestas y las orientaciones de la Base Nacional Común Curricular (BNCC) (Brasil, 2017), especialmente en lo que se refiere al uso crítico y ético de las tecnologías digitales, a la centralidad del texto y a la promoción de prácticas multisemióticas. Se concluye que propuestas pedagógicas que integran literatura y cultura digital constituyen caminos efectivos para fortalecer la formación lectora y renovar la enseñanza de Lengua Portuguesa en la Educación Básica.
Este ensayo discute la relación entre la Ontología Orientada a Objetos (OOO) y la literatura, a partir de la lectura de El clamor de los bosques (2025), de Richard Powers, en diálogo con las ideas de Pieter Vermeulen en Literature and the Anthropocene (2020). La OOO propone que los objetos poseen existencia autónoma y agencia propia, cuestionando la centralidad humana. Conceptos como Retirada Ontológica y Democracia Ontológica sugieren que humanos y no humanos coexisten en un mismo plano ontológico, sin jerarquías. En la novela de Powers, los árboles y las redes subterráneas de comunicación vegetal aparecen como fuerzas narrativas activas que influyen directamente en los personajes humanos. Este enfoque ejemplifica la retirada ontológica, pues, incluso con los avances científicos, la interioridad de los árboles permanece en parte inaccesible. La narrativa también dialoga con la democracia ontológica al presentar el protagonismo de lo no humano, desplazando al ser humano del centro del relato. Vermeulen, no obstante, señala límites en la OOO. Critica el riesgo de fetichización del objeto, que desatiende los contextos históricos y ecológicos, y advierte que la equiparación entre humanos y no humanos puede debilitar la responsabilidad política frente a la crisis ambiental. En Powers, esto se manifiesta en el uso de antropomorfismos poéticos que atribuyen a los árboles rasgos humanos, tensionando la propuesta filosófica. Se concluye que la obra de Powers funciona como un experimento literario que amplía el imaginario ecológico al incorporar voces no humanas, pero también revela los desafíos de articular estética, filosofía y política. El diálogo entre literatura y OOO ofrece caminos para reflexionar sobre la coexistencia y la ética en el Antropoceno, un tema de especial pertinencia para la realidad contemporánea.
Este artículo presenta, mediante un enfoque aplicado y cualitativo, el desarrollo del juego digital Hidden Dengue, concebido como una herramienta educativa basada en la narración y el análisis de escenarios para concienciar sobre la prevención del dengue y otras arbovirosis. Desarrollado por estudiantes de Informática de una universidad privada brasileña, el proyecto integra conocimientos técnicos sobre usabilidad y desarrollo web con responsabilidad social y educación en salud pública. Utilizando tecnologías accesibles como HTML, CSS y JavaScript, y recursos gráficos generados con inteligencia artificial, el juego fue diseñado para niños, especialmente de 6 a 10 años. La mecánica del juego se basa en la identificación de criaderos del mosquito Aedes aegypti en diferentes escenarios narrativos, utilizando elementos lúdicos como vidas, niveles y mensajes educativos. El desarrollo se estructuró en cuatro fases: investigación y definición de requisitos; prototipado de la interfaz; pruebas y ajustes; y finalización del prototipo en versión beta. La metodología adoptada incorporó principios de usabilidad y gamificación, centrándose en el aprendizaje basado en juegos digitales (DGBL). Los resultados iniciales demuestran que se alcanzaron los objetivos de aprendizaje previstos en informática para el curso. Además, las pruebas informales e iniciales con usuarios han demostrado una acogida positiva y una gran eficacia en el proceso de sensibilización mediante el uso de narrativas y mecánicas de juego. El proyecto destaca cómo las soluciones de bajo coste, bien estructuradas, pueden contribuir significativamente a la promoción de la salud y la educación cívica. En consonancia con el Objetivo de Desarrollo Sostenible 3 de las Naciones Unidas (Salud y Bienestar), Hidden Dengue demuestra el potencial de los juegos digitales y las narrativas como herramientas pedagógicas para combatir enfermedades endémicas. Como próximos pasos para futuras investigaciones, se prevé realizar pruebas estructuradas con el público objetivo para extraer datos sobre su percepción del aprendizaje a través del juego y mejorarla.
Derechos de autor 2025 https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
El presente artículo pretende presentar al poeta italiano Guido Gozzano (1883-1916), situando al lector en relación con el período histórico, cultural y literario en el que vivió y produjo, con el objetivo de facilitar la comprensión de los mensajes contenidos en su poesía, la cual ofrece una nueva mirada sobre el complejo siglo XX. Para ello, el trabajo se inicia con una introducción al Novecento y al movimiento literario conocido como Crepuscularismo, explicitando las características fundamentales y cómo el estilo reflejó las transformaciones de la época, hasta llegar a Gozzano. Nacido en Turín, el poeta fue un admirador y ávido lector de figuras influyentes de la literatura italiana, como Dante Alighieri (1265-1321) y Gabriele D’Annunzio (1863-1938). En los primeros decenios, pasó a rechazar el estetismo dannunziano, siendo anunciado como el representante de la estética crepuscular tras la publicación de los libros La via del rifugio (1907) e I Colloqui (1911), que evidencian su habilidad para mezclar la ironía y la melancolía por medio del lenguaje coloquial y de la métrica tradicional, abordando temas como la inadecuación y la enfermedad, los cuales se originaron a partir de la segunda mitad del siglo XIX con los efectos de la pos-Unificación. Tras este recorte fundamental, y considerando la necesidad de sacar a la luz a Guido Gozzano para resaltar la importancia de su obra para los estudios de literatura italiana en Brasil, se llevará a cabo el análisis de la ilustre poesía Alle soglie (1911) con reflexiones obtenidas a partir de revisiones sobre la temática de la traducción, actividad que auxilió en la resolución de la primera tarea, favoreciendo el desarrollo de investigaciones en el área.
Un estudio pionero sobre el uso de la técnica de la mise en abyme
A VARIAÇÃO LINGUÍSTICA MARANHENSE E A CONSTRUÇÃO DA IDENTIDADE
Este artigo tem como temática principal a variação linguística no contexto maranhense, com ênfase no léxico como expressão de identidade cultural, social e ideológica. A partir da perspectiva da língua como forma de interação social, o estudo descreve duas experiências práticas com atividades lúdicas desenvolvidas em aulas de Língua Portuguesa para turmas do 9º ano do ensino fundamental em uma escola pública de São Luís (MA). O objetivo é propor a valorização da identidade maranhense por meio do reconhecimento da diversidade linguística local. Para tanto, a base teórica é constituída de autores como Gonçalves (1994), Mira Mateus (2002), Ramos (2010), além de documentos educacionais importantes no Brasil, como os Parâmetros Curriculares Nacionais, PCNs (2015), e a Base Nacional Comum Curricular, BNCC (2018). Sendo assim, o processo metodológico envolveu leitura bibliográfica, a construção de um corpus e a aplicação prática na realidade escolar. Como resultado, há duas atividades didático-pedagógicas que podem ser utilizadas (ou adaptadas, conforme as diferentes realidades) por professores. Tais práticas em sala de aula reforçam ainda mais a importância do tema, oferecendo propostas eficazes aos professores da educação básica de todo o país. Portanto, a relevância desta pesquisa reside na importância de se reconhecer e valorizar a variação linguística como um elemento essencial na construção da identidade cultural e social dos estudantes brasileiros. No contexto maranhense, é notório que a compreensão das especificidades do léxico local não só contribui para o fortalecimento da identidade individual e regional, como também promove uma abordagem inclusiva e respeitosa da diversidade linguística.
El sufrimiento arañado por las palabras”: Historia y literatura en un “cronicuento” rosiano
Ochenta años después de la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), este artículo propone un examen comparativo entre la producción literaria y la historiografía del siglo XX, con énfasis en Hobsbawm (1917-2012), centrándose en “El mal humor de Wotan”de Guimarães Rosa (1908-1967). Emulando la ambigüedad, el tono de las relaciones humanas y de poder del siglo pasado, la ficción rosiana amalgama elementos de los géneros literarios del cuento y de la crónica en esta producción publicada por primera vez en el Correio da Manhã (29/02/1948), Por lo tanto, me referiré a “El mal humor de Wotan”, junto con otras narraciones que retratan, tanto estética como biográficamente, la estancia de Rosa en Alemania durante la segunda mitad de la década de 1930, como “cronicuento”. En ellas, el autor retrata el período de la guerra alemana desde la perspectiva de la gente común, incluyendo a la pareja Hans-Helmut y Márion Heubel, personajes ficticios que también eran amigos de Guimarães Rosa cuando este era cónsul en Hamburgo. Las vidas de estos personajes fueron devastadas, como las de muchos otros, por el deseo obsesivo de Hitler (1889-1945) — el dios del título. Basado en un estudio bibliográfico y temático, este análisis pretende demostrar cómo la historia occidental del siglo XX se infiltra en la historia de este autor brasileño, cuyas palabras nos recuerdan el cosmopolitismo del terror forjado hace casi cien años. Con la ayuda de la Estética de la recepción de Jauss, este estudio de la obra rosiana examina el camino recorrido por las sociedades occidentales en el último “siglo corto”, como lo llamó Hobsbawm (1994), con el objetivo de encontrar otras formas de subsistir en medio de la desintegración de los valores diseñados por la Ilustración del siglo XVIII. Integrando estas construcciones estético-científicas es posible establecer una interpretación más completa de una de las muchas caras de la realidad contemporánea, una época en la que los imperios se desmoronaron y la civilidad se enfrentó a la barbarie. De este modo, Rosa demuestra una actitud excepcional frente a la violencia extrema en un período de excepción que parece querer repetirse.
Eric Hobsbawm. Guerra. Guimarães Rosa. “El mal humor de Wotan”. Siglo XX.
El grafiti como arte de transgredir y resistir
En este artículo, entendemos el grafiti como una acción e intención de resistir y transgredir. Con una base analítica basada en la semiótica triádica, el objetivo de esta reflexión es explorar el grafiti como semiosis, como gesto de creación, como arte y acto de poder creativo, como posibilidad, como confrontación con la opresión. Observamos el grafiti como un acto de comunicación y resistencia a la censura, que fortalece la democracia para comprender la libertad. Entendemos el grafiti como un operador de significado, un gesto que, al desafiar la censura, propone posibilidades de libertad. Vemos la importancia del grafiti porque en el muro se encuentra el gesto de la episteme que busca politizar la censura y, de esta manera, la transgrede, diciendo lo que no pueden decir las voces silenciadas, en espacios que no deberían usarse. Al transgredir el orden establecido, el grafiti configura una semiosis iconoclasta que actúa para provocar el distanciamiento y el diálogo; por lo tanto, disona con la lógica dominante, creando brechas en la semiosfera del consumo y la opresión. Las fotografías, tomadas por nosotros, constituyen un registro analítico y sirven como ilustraciones que, a lo largo del texto, facilitan las inferencias realizadas en el artículo. Las reflexiones y análisis que aquí se presentan se basan en las diversas investigaciones de los autores sobre el tema.
Grafiti. Resistencia. Censura. Libertad. Democracia.
Derechos de autor 2025 Ursula Betina Diesel, PhD. Pedro Russi https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
ENTRE EL GESTO Y LA RED: EL MONTAJE COMO OPERACIÓN DE CONEXIONES EN NA ILHA (2020)
Anclado en los referentes teóricos de Vilém Flusser (2014) y Cecília Salles (2010 y 2016), este artículo ofrece un análisis del documental Na Ilha (2020) como manifestación fílmica de la operación gestual de conexión en diferentes niveles: estructural (en la arquitectura en archipiélago que organiza la película), espacial (en los entornos de las salas de montaje entendidos como archivos vivos) y procesual (en las dinámicas de tensión creativa entre montadores y materia prima). Por medio de un análisis fílmico de enfoque cualitativo, se investigan las formas en que el montaje cinematográfico sobrepasa el dominio técnico, configurándose como un campo de libertad creativa, negociación colectiva e inventiva, donde las restricciones materiales se convierten en recursos expresivos. Al articular los conceptos de gesto (Flusser) y redes de creación (Salles), el estudio evidencia el papel del montaje en la activación de procesos colaborativos y en la construcción de sentidos compartidos. Los resultados indican que Na Ilha contribuye a reconfigurar la mirada sobre la práctica del montaje, ofreciendo fundamentos teóricos y metodológicos para futuras investigaciones sobre otros oficios ‘invisibles’ del cine, fortaleciendo la comprensión del montaje como un espacio de diálogo, invención y memoria del audiovisual brasileño.
Derechos de autor 2025 Marcos Alex Rodrigues do Andrade https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
THE MEDIA APPROACH TO RACISM IN BRAZIL: AN ANALYSIS OF THE LIBERATUM CASE IN SALVADOR
El Festival Liberatum, celebrado por primera vez en Brasil con el objetivo de valorar la cultura afrobrasileña y promover el cambio social, se vio marcado por episodios de racismo contra algunos artistas presentes, lo que generó repercusión pública y expuso tensiones entre el discurso institucional y las prácticas observadas. Dada esta contradicción, esta investigación busca analizar cómo la cobertura periodística retrató el caso, buscando comprender cómo los eventos y colectivos progresistas también reproducen lógicas vinculadas al racismo estructural que persiste en la sociedad brasileña contemporánea. Se trata de un estudio cualitativo, exploratorio-descriptivo, estructurado como un estudio de caso. Los artículos publicados en línea sobre el caso se filtraron y analizaron técnicamente para comprender cómo cada medio abordó el tema y si proporcionaban información detallada. A partir del análisis de este material y del marco teórico de autores que retratan el racismo en los medios de comunicación de forma crítica y relevante, como Lélia Gonzalez y Stuart Hall, fue posible identificar un patrón recurrente en los enfoques mediáticos: la sobreexposición de las víctimas, a menudo retratadas mediante narrativas centradas en el sufrimiento individual, y la preservación de la imagen de los agresores, cuya identificación y contextualización suelen omitirse o atenuarse. Esta forma de cobertura contribuye al mantenimiento de estructuras simbólicas que reproducen las desigualdades raciales y desvían la atención de la cobertura periodística. Por lo tanto, la investigación destaca la importancia de un enfoque crítico sobre las formas en que los medios representan los episodios de violencia racial y sus consecuencias sociales y comunicacionales.
As páginas dos jornais acadêmicos da Faculdade de Direito de São Paulo foram estruturadas de modo que a poesia e a crítica estivessem lado a lado, configurando-se como contexto propício para que a segunda encontrasse mais um espaço na eterna-singularidade da poesia romântica. Esse cenário, conhecido como publicismo romântico, foi realizado por estudantes que seriam conhecidos como a segunda geração do romantismo brasileiro. O resultado dessa fusão entre o crítico e o poeta foi poesias metalinguísticas que revelaram um código poético não mais intuitivo e oculto por metáforas divinas-religiosas, mas sim elástico e reflexivo a serviço dos costumes estudantis. Somando-se ao fato de a sociabilidade acadêmica garantia-lhes um senso de exceção frente a insípida cultura paulistana da época, a escritura da metapoesia da segunda geração romântica singularizaria mais a sua associação. O corpus da pesquisa considerou 27 jornais acadêmicos, em um intervalo de 1847 a 1869, disponíveis na Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional. A leitura dos periódicos encontrou três intenções metalinguísticas principais: a tentativa de construção de uma tradição literária, realização de moderadas críticas e autocríticas em versos esparsos e humor corrosivo com desprezo pelo código poético. A prática da metapoesia possibilitou aos acadêmicos das ciências jurídicas e sociais se autoafirmarem frente o contexto romântico oficial. Portanto, à luz de Alfredo Bosi (2019), Gilberto Mendonça Teles (1989), Maria Bochicchio (2012, 2024), Paul Hamilton (2003) e Samira Chalhub (2005), o objetivo deste artigo é analisar as produções metapoéticas que fomentaram a postura reflexiva do estudante romântico evidenciando a atividade suplementar da crítica na criação poética.
UM ARTISTA LITERÁRIO CHAMADO TOLKIEN: RECURSOS ESTILÍSTICOS E A PSEUDOTRADUÇÃO NO SEU LEGENDARIUM
Este artigo apresenta um recorte de uma pesquisa de Mestrado que analisa comparativamente duas traduções brasileiras da obra A Sociedade do Anel, de J. R. R. Tolkien. É proposta uma reflexão visando perceber como escolhas estilísticas e elementos de literariedade podem ser preservados ou transformados no processo tradutório. A primeira parte do texto dedica-se à contextualização da Terra-média e da biografia do autor. A segunda parte discute o conceito de pseudotradução e sua relevância nos escritos de Tolkien, destacando a importância de estratégias tradutórias como domesticação e estrangeirização. Conclui-se que a retradução analisada tende a preservar mais características do original, embora diferentes abordagens sejam possíveis e válidas conforme os objetivos do autor. Também é destacada e reforçada a riqueza linguística e estética das obras tolkienianas, abrindo espaço para novas investigações sobre estilo, linguagem e tradução.
CONTEMPLATIVE POSTMODERN MELANCHOLY: SOLITUDE IN GHOST DOG (1999), ONLY LOVERS LEFT ALIVE (2013), AND PATERSON (2016)
This study investigates the intersection between loneliness in contemporary society and its cinematic representation through the notion of "contemplative postmodern melancholy." It examines the disconnection and introspection of individuals in the face of postmodern superficiality, as well as the role of art, philosophy, and poetry as "bridges" for reconnection. The focus lies on three films by Jim Jarmusch — Ghost Dog (1999), Only Lovers Left Alive (2013), and Paterson (2016) — analyzing how their characters experience loneliness and develop strategies of (re)signification. The theoretical framework combines Fredric Jameson’s (1997) postmodernism, Julia Kristeva’s (1989) conception of melancholy, and Laura Mulvey’s (1975) theory of visual pleasure. Methodologically, the research adopts Manuela Penafria’s (2009) film analysis approach, emphasizing scene decomposition and the visual resources that construct a contemplative atmosphere. Thus, it seeks to understand how Jarmusch’s distinctive style portrays loneliness as a central element of his narratives and aesthetic contemplation as a means of resignification in the face of postmodern emptiness.
“FRUTOS DA MEMÓRIA”: UM RETRATO AUDIOVISUAL DO ESPAÇO CULTURAL RENATO RUSSO
Frutos da Memória (2024) é um documentário que retrata a história e a memória viva do Espaço Cultural Renato Russo (ECRR), considerado como o primeiro centro cultural de Brasília, resgatando narrativas de afeto por meio das experiências compartilhadas por seus frequentadores durante as comemorações de seus 50 anos. Mais do que um registro histórico, o filme configura-se como uma manifestação do vínculo entre o espaço e sua comunidade artística, revelando como essa relação molda, fortalece e perpetua o papel do ECRR como polo de expressão e resistência cultural na capital federal. Este artigo, portanto, resulta de uma pesquisa interdisciplinar e aplicada, cujo objetivo é apresentar os fundamentos teóricos e metodológicos que sustentaram a produção audiovisual, ao mesmo tempo em que analisa os principais fatores que contribuíram para a consolidação do espaço como referência no cenário artístico, cultural e social do Distrito Federal. Embasado nos conceitos de humanismo projetual (Bonsiepe, 2011), imaginário de Brasília (Garrossini; Santos; Nery, 2020) e notas sobre a experiência (Bondía, 2002), foi adotada uma abordagem exploratória com três enfoques: qualitativa, por meio de entrevistas semiestruturadas; bibliográfica, com revisão sobre os conceitos de design e sobre a trajetória do ECRR; e cartográfica, com safáris fotográficos. Por fim, o documentário registra a memória de um centro cultural que, mesmo em meio aos problemas estruturais, orçamentários, governamentais e privados, é o esforço coletivo que propicia a sua resistência ao tempo e à perenidade enquanto local de cultura.
EISENSTEIN - A ARTE, A HISTÓRIA, O BRASIL
Esta resenha examina o trabalho do cineasta soviético Sergei Eisenstein, O Encouraçado Potemkin (1925), que é considerado uma das melhores produções cinematográficas da história. A análise aborda alguns aspectos inovadores criados por Eisenstein, que revolucionaram a linguagem cinematográfica ao usar o poder das imagens para criar narrativas políticas e despertar emoções. O texto também fala sobre os efeitos de O Encouraçado Potemkin no Brasil, onde o filme teve um efeito de empatia com a nossa própria história. Eisenstein criou uma obra que permanece relevante para a compreensão do papel do cinema na representação e no debate sobre a revolução e a luta ao unir arte e história.
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ENTRE A PALAVRA E O DESEJO: A HOMOSSEXUALIDADE EM CENA
Este artigo analisa a representação da homossexualidade nas obras realistas brasileiras do século XIX, com ênfase nos romances O Cortiço (Aluísio Azevedo, 2010) e Bom Crioulo (Adolfo Caminha, 2010). Inseridos em um contexto histórico marcado por transformações sociais, políticas e culturais, os textos retratam de forma pioneira relações homoafetivas, desafiando os tabus e preconceitos da época. A partir de uma abordagem crítica que articula o determinismo social e os fundamentos do naturalismo, as obras evidenciam os desejos, afetos e conflitos de seus personagens, revelando a hipocrisia da moral dominante e as tensões entre corpo, sexualidade e poder. A metodologia adotada é a análise literária descritiva, de natureza qualitativa e bibliográfica, fundamentada nas contribuições teóricas de Foucault (1988), Coutinho (2002), Bosi (2002), Candido (2006), Moreira (2012), entre outros. A análise destaca a relevância desses autores na ampliação do discurso literário sobre a diversidade sexual no Brasil, contribuindo para a compreensão das relações homoafetivas em um período de intensas mudanças sociais.
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Este artículo analiza las construcciones de la masculinidad en los cuentos La vitrola (Josefina Plá, 1953) y Ver para creer (Ángeles Mastretta, 2007), explorando el papel del hombre en la familia y la sociedad, así como las dinámicas de género que atraviesan estas narrativas. Ambos textos presentan diferentes representaciones de la masculinidad, contrastando modelos tradicionales y opresivos con figuras que desafían las normas establecidas. En La vitrola, el protagonista Cepí, un joven trabajador, rompe con los estándares sociales al casarse con Delpilar, una mujer negra y mayor que él. La pareja enfrenta una fuerte resistencia por parte de la sociedad, y Cepí sufre una intensa presión para abandonarla, lo que evidencia el peso del prejuicio y la discriminación. El cuento aborda cuestiones como el racismo, el edadismo y la hipocresía social, al tiempo que propone una visión alternativa de la masculinidad basada en el afecto y en la resistencia a las normas opresivas. Por otro lado, en Ver para creer, la narrativa sigue a Paula, una mujer que dedicó su vida a su esposo, un político egocéntrico que la abandona por una mujer más joven. Tras varios intentos de suicidio, Paula logra reinventarse y convertirse en una ejecutiva exitosa. El cuento critica una masculinidad basada en el poder y la falta de empatía, evidenciando la desigualdad de género en las relaciones afectivas y sociales. Como apoyo teórico, se utilizan las obras y estudios de Carla Akotirene (2019), Gerda Lerner (1990), Antonio Candido (2006), entre otros. De este modo, el estudio muestra cómo las autoras emplean la interseccionalidad de género, clase y etnia para cuestionar las concepciones tradicionales de la masculinidad y proponer nuevas perspectivas sobre las relaciones de poder.
O artigo se propõe a discutir a complexidade da figura monstruosa a partir do personagem Cipriano, fruto do universo fantástico do diretor brasileiro Rodrigo Aragão. Assim, debruça-se sobre dois artefatos culturais: o filme O Cemitério das Almas Perdidas (2020), dirigido por Rodrigo Aragão, e a história em quadrinhos O Livro Maldito de Cipriano, escrita e desenhada por Eduardo Cardenas, com o objetivo de analisar como o personagem Cipriano se apresenta em cada um deles. Dessa forma, tem-se uma análise transmídia. Nesse sentido, considera-se as particularidades que cada um desses artefatos culturais pode apresentar, embora a análise esteja centrada em um mesmo personagem, pertencente a um mesmo universo. Para os fins propostos, considerando as complexidades e problemáticas que podem surgir a partir da análise de dois artefatos culturais distintos, parte-se do campo teórico dos Estudos Culturais, adotando a metodologia da etnografia de tela como norteadora, mas utilizando como aporte, respectivamente, o método comparativo e a análise cultural. Acredita-se que o artigo tem o potencial de apresentar a complexidade com que a figura monstruosa pode se manifestar em uma narrativa de horror, independentemente do artefato cultural. A partir da figura monstruosa do personagem Cipriano, nota-se a complexidade e as multifacetas do monstro, que se apresenta como uma figura intimamente relacionada com o contexto histórico e sociocultural em que está inserida. O personagem Cipriano, para além de evidenciar o potencial do horror brasileiro, contribui para problematizações valiosas a respeito de como lidamos com a diferença na sociedade e ao longo da história brasileira.
RETOMADAS E ESPELHAMENTOS DE ALGUNS ELEMENTOS DO CONTO “O COBRADOR” PELO ROMANCE O MATADOR
Este artigo tem como principal objetivo analisar trechos de dois textos da literatura brasileira contemporânea, o primeiro é o conto “O cobrador”, de Rubem Fonseca, e o segundo é o livro O matador, de Patrícia Melo. Ambas as obras apresentam tema e estilo muito semelhantes. São narrativas que tratam do tema da violência urbana, expondo o lado cruel do ser humano em atos de barbárie. Os textos foram escritos de maneira bastante direta e objetiva, aproximando seus autores quanto aos seus estilos. A partir da compreensão da ideia de intertextualidade, que foi elaborada pela pesquisadora Julia Kristeva, em 1966, tendo como base os estudos do filósofo Mikhail Bakhtin, discutiremos as diferentes aproximações que podem acontecer entre textos. Centrando, então, a nossa atenção para a técnica da mise en abyme, que se popularizou com o escritor André Gide, no início do século XX, usaremos como nosso principal eixo teórico o livro El relato especular, de Lucien Dällenbach (1991), complementado com estudos críticos de Alonso (2017, 2024), Carvalho (1983), Ginzburg (2010), Goulet (2006), Labeille (2011), Nitrini (2021). O objetivo é identificar e analisar a presença da referida técnica na relação de encaixe e espelhamento que podem acontecer entre obras distintas ou dentro de um mesmo texto. Em nossa análise, a investigação se deu entre as duas obras supracitadas e, com ela, comprovamos que a mise en abyme tem a capacidade de proporcionar uma experiência bastante singular, ampliando aspectos das duas narrativas que selecionamos para este artigo. Além disso, também pode ser fonte de pesquisa em textos que estão surgindo em nossa literatura atualmente, assim como em escritos que já foram publicados há mais tempo, abrindo a possibilidade de novos estudos. Dessa maneira, fica evidenciada a sua versatilidade e relevância nos estudos contemporâneos de literatura.
Esta pesquisa realiza uma investigação bibliográfica de diversas obras de Karl Marx, Friedrich Engels e Max Horkheimer para explicar certos aspectos do desenvolvimento da Teoria Crítica do frankfurtiano enquanto abordagem teórica materialista histórico-dialética. Com essas considerações, aponta-se as reflexões e observações dos três autores sobre a formação da cultura na constituição material e histórica da sociedade, bem como os conflitos e contradições nas quais as produções culturais estão inseridas. Assim, cria-se o cenário para discutir como os pensadores observam a comunicação, mais especificamente os meios de comunicação, dentro das dinâmicas ideológicas e disputas de classe da sociedade capitalista.
A SIMBOLOGIA DA ÁGUA NAS CANTIGAS DE MILAGRE, DE DOM AFONSO X: CANTIGA 95 DE SANTA MARIA
As Cantigas de Santa Maria, compostas no século XIII por ordem de D. Afonso X, o Sábio, constituem um rico painel da cultura medieval e revelam a profunda relação entre o homem do medievo e a natureza, especialmente a água que, nesse cenário, emerge como elemento central, carregado de simbolismo e significado. Em um contexto marcado pela forte religiosidade e estreita relação entre o homem e a natureza, a água, presente em diversas manifestações – desde as chuvas que fertilizam a terra até os oceanos que inspiram temor –, assume um papel fundamental nos milagres atribuídos à Virgem Maria. A CSM 95, por exemplo, narra um episódio em que a Virgem acalma uma tempestade, transformando a água, antes ameaçadora, em instrumento de salvação. A análise da água nas Cantigas de Santa Maria permite-nos compreender como esse elemento natural se entrelaça com o sagrado, mediando a relação entre o homem e o divino. A Virgem Maria, como figura materna e protetora, utiliza a água como instrumento para realizar seus milagres, demonstrando seu poder sobre as forças da natureza e sua compaixão pelos homens. Ao explorar essa temática, este trabalho busca contribuir para uma melhor compreensão da religiosidade popular medieval e da relação entre o homem e o meio ambiente. A água, além de elemento essencial à vida, revela-se como um poderoso símbolo cultural, carregado de significados que transcendem o tempo e o espaço. As circunstâncias que envolvem a água são múltiplas, tornando-se elemento primordial e protagonista dos milagres realizados por intermédio da Virgem Maria, indicando-nos a relação existente entre os grupos humanos e o meio em que estes estavam envoltos.
Água. Cantigas de Santa Maria. Milagres. Imagens. Texto.