A Revista Coletivo Cine-Fórum (ISSN: 2966-0513) é um periódico interdisciplinar que a partir de janeiro de 2026 passa a ter publicação anual em fluxo contínuo, editado pelo Coletivo Cine-Fórum®, uma editora sem fins lucrativos voltada para cultura, arte e disseminação do conhecimento científico. A revista privilegia o Colégio de Humanidades (CAPES), tendo como foco principal as seguintes áreas: Letras, Artes e Linguística; Cinema e Audiovisual; Filosofia e Sociologia; Antropologia e Cultura; Artes Visuais e Interartes; Psicanálise; Comunicação e Informação. Além de campos afins das Ciências Humanas e Sociais Aplicadas, abrangendo discussões contemporâneas e interconexões entre saberes. A Revista Coletivo Cine-Fórum é Qualis B4.
a. Autores mantém os direitos autorais e concedem à revista o direito de primeira publicação, com o trabalho simultaneamente licenciado sob a Licença Creative Commons Attribution-NonCommercial 4.0 International que permite compartilhamento e adaptação, desde que sem fins lucrativos e com os créditos adequados. b. Autores têm autorização para assumir contratos adicionais separadamente, para distribuição não-exclusiva da versão do trabalho publicada nesta revista (ex.: publicar em repositório institucional ou como capítulo de livro), com reconhecimento de autoria e publicação inicial nesta revista.
A SEXUALIDADE FEMININA SE DISTANCIA DO MALE GAZE — CONTRIBUIÇÕES DE BABY GIRL PARA UM CINEMA FEMINISTA
Este artigo propõe uma análise do filme Baby Girl (2024), dirigido por Halina Reijn, com o objetivo de investigar as particularidades da sexualidade feminina a partir de uma perspectiva que se distancia do conceito cinematográfico do male gaze, formulado por Laura Mulvey. A análise fílmica se debruça pela Teoria Crítica ao elucidar o patriarcado como fundamental neste processo de subserviência feminina e sugere a superação dele como caminho de emancipação. A reflexão parte da relação entre sexualidade, percepção corporal e desejo feminino, compreendidos como construções históricas e culturais ainda marcadas por tabus e preconceitos. Para embasar essa abordagem, são utilizados estudos sobre o corpo e a representação da mulher, com apoio teórico de autoras como Nancy Fraser, Laura Mulvey, Mary Del Priore e Naomi Wolf, promovendo uma leitura feminista do cinema que possibilite novas formas de abordar a temática. Os resultados desta análise apontam para uma tendência de novos filmes feministas que se distanciam da linguagem do male gaze e criam espaços para narrativas alternativas na indústria cinematográfica.
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Levando em consideração que a cinematografia de um produto audiovisual funciona como uma ferramenta de comunicação e que os videoclipes trazem uma nova perspectiva sobre a canção através de uma camada visual, este trabalho tem como objetivo investigar a construção visual da performance no videoclipe Nerves (2021), dirigido e interpretado por DPR IAN, com direção de fotografia por Hoin Cho, a partir dos elementos técnicos e estéticos que constituem a sua cinematografia, utilizando para isso as etapas metodológicas propostas por Coutinho (2015) para a análise da imagem: a leitura, a interpretação e a conclusão. Trazemos como base teórica para esta pesquisa autores e autoras que abordam o videoclipe (Valente, 2003; Soares, 2012; 2013), performance (Carlson, 2009; Paim, 2019), a estética fotográfica (Moletta, 2009), os elementos e as técnicas cinematográficas (Bordwell e Thompson, 2013; Carreiro, 2021), e, a fotografia cinematográfica (Scansani, 2019; 2020). Ao fim da análise conseguimos perceber como os elementos técnicos e estéticos dentro da direção de fotografia do videoclipe em conjunto com a performance de DPR IAN trabalham para que a mensagem da canção seja transmitida de forma satisfatória, trazendo a introspecção e a reflexão proposta pelo artista, ao mesmo tempo em que potencializa e deixa explícita uma dor que o mesmo também quer esconder.
O QUE PODE O CINEMA EM UMA ESCOLA ONDE NÃO SE APAGA A LUZ?
Este trabalho aborda a Educação Audiovisual, reconhecendo sua crescente densidade no contexto da Cultura Visual e da escola. Alinha-se à pesquisa acadêmica que narra as relações entre audiovisual e educação a partir da experiência e da primeira pessoa, mobilizando autores como Larrosa Bondía, bell hooks e Conceição Evaristo. A pesquisa é uma escrita encarnada, motivada pela atuação do autor como Professor de Artes em dois CIEPs do Complexo da Maré, Rio de Janeiro. Em um contexto desafiador de limitações materiais, o estudo reflete sobre sequências didáticas que buscam desenvolver a espectatorialidade audiovisual como construção plástica e expressiva, fugindo da mera significação ou letramento. Adotando um anti-método pós-estrutural, a pesquisa constrói-se como um ensaio-imagem atento aos saberes-fazeres docentes. O foco prático reside em dispositivos pedagógicos criados a partir da exibição de filmes (como Pão e Beco, For the Birds e Maluum) seguidos de atividades expressivas, como desenhos em quadrinhos, criação de linhas do tempo e elaboração de cartazes/convites. Tais práticas visam a expressão dos estudantes, reconhecendo o cotidiano escolar como um campo que se impõe sobre qualquer pretensão de sucesso ou sistematização.
O reconhecimento de um filme vai além de sua qualidade artística, da força de sua narrativa ou da emoção que provoca no público. Para que uma obra cinematográfica alcance prestígio, é necessário atrair o olhar da sua audiência para conquistar espaços de visibilidade. Nesse contexto, a promoção de um filme se entrelaça com o próprio destino da obra, sendo a estruturação de campanhas de divulgação um fator decisivo para sua repercussão em níveis nacional e internacional. Com base nessa perspectiva, este artigo tem como objetivo analisar como diferentes ferramentas de comunicação - tais como a publicidade, a propaganda, o marketing e as relações públicas - influenciam a visibilidade de uma produção cinematográfica. A abordagem metodológica consiste em um estudo de caso do filme Ainda Estou Aqui, que retrata a opressão durante a ditadura militar no Brasil e se destacou na mais importante premiação de cinema do mundo, com concorrência predatória dos filmes norte-americanos, três indicações e uma estatueta do Oscar.
RELEITURAS DIGITAIS DE VIDAS SECAS, DE GRACILIANO RAMOS
A leitura literária, apesar de sua relevância para a formação crítica, criativa e cidadã, ainda enfrenta desafios pedagógicos decorrentes de práticas tradicionalistas que afastam os estudantes do potencial formativo dos textos literários. No contexto contemporâneo, marcado pela cultura digital e por múltiplas linguagens, torna-se necessário repensar metodologias que aproximem a literatura dos suportes e gêneros digitais presentes no cotidiano dos educandos. Este artigo analisa como propostas didático-metodológicas fundamentadas em gêneros textuais digitais podem contribuir para a formação de leitores críticos nos Anos Finais do Ensino Fundamental. O estudo parte da leitura da obra Vidas secas, de Graciliano Ramos (2019 [1947]), em que se desenvolveram três projetos: (i) “Lendo em 1 minuto” (produção de vídeos-minuto), (ii) “Lendo e-relendo” (elaboração de e-books) e (iii) “É jogando que se aprende” (criação de jogo digital). A pesquisa, de abordagem qualitativa, natureza aplicada e caráter descritivo-analítico, assume o formato de relato de experiência e articula observação participante, análise dos produtos gerados e análise documental de referenciais teóricos e curriculares. Os resultados evidenciam que o diálogo entre leitura literária e cultura digital favorece processos de autoria, participação e criticidade, ampliando a inclusão e a significatividade dos textos literários no processo de ensino-aprendizagem. As produções demonstram síntese, transposição de linguagens, criatividade e engajamento estético, confirmando a hipótese de que práticas baseadas em gêneros textuais digitais ressignificam a leitura literária, tornando-a mais acessível, instigante e formativa. Observou-se, ainda, consonância entre as propostas e as orientações da Base Nacional Comum Curricular (BNCC) (Brasil, 2017), especialmente no que se refere ao uso crítico e ético das tecnologias digitais, à centralidade do texto e à promoção de práticas multissemióticas. Conclui-se que propostas pedagógicas que integram literatura e cultura digital constituem caminhos efetivos para fortalecer a formação leitora e renovar o ensino de Língua Portuguesa na Educação Básica.
Este ensaio discute a relação entre a Ontologia Orientada a Objetos (OOO) e a literatura, a partir da leitura de A trama das árvores (2025), de Richard Powers, em diálogo com as ideias de Pieter Vermeulen em Literature and the Anthropocene (2020). A OOO propõe que os objetos têm existência autônoma e agência própria, questionando a centralidade humana. Conceitos como Retirada Ontológica e Democracia Ontológica sugerem que humanos e não-humanos coexistem em uma mesma planície ontológica, sem hierarquias. No romance de Powers, árvores e redes subterrâneas de comunicação vegetal aparecem apenas como forças narrativas ativas que influenciam diretamente personagens humanos. Essa abordagem exemplifica a retirada ontológica, pois, mesmo com avanços científicos, a interioridade das árvores permanece em parte inacessível. A narrativa também dialoga com a democracia ontológica ao apresentar o protagonismo do não-humano, deslocando o humano do centro da narrativa. Vermeulen, entretanto, aponta limites na OOO. Ele critica o risco de fetichismo do objeto, que desconsidera contextos históricos e ecológicos, e alerta que a equiparação entre humanos e não-humanos pode enfraquecer a responsabilidade política frente à crise ambiental. Em Powers, isso se manifesta no uso de antropomorfismos poéticos, que atribuem às árvores características humanas, tensionando a proposta filosófica. Conclui-se que a obra de Powers atua como um experimento literário, ampliando o imaginário ecológico ao incorporar vozes não-humanas, mas também revelando os desafios de articular estética, filosofia e política. O diálogo entre literatura e OOO oferece caminhos para refletir sobre coexistência e ética no Antropoceno, tema bastante pertinente para a realidade contemporânea.
Este artigo apresenta o desenvolvimento do jogo digital Hidden Dengue, concebido como uma ferramenta educativa baseada em storytelling e análise de cenários para conscientização sobre a prevenção da dengue e outras arboviroses. Desenvolvido por alunos de Ciência da Computação de uma universidade privada brasileira, o projeto integra conhecimentos técnicos sobre usabilidade e desenvolvimento web com responsabilidade social e educação em saúde pública. Utilizando tecnologias acessíveis como HTML, CSS e JavaScript, e recursos gráficos gerados com inteligência artificial, o jogo foi projetado para o público infantil, especialmente crianças de 6 a 10 anos. A mecânica do jogo baseia-se na identificação de focos do mosquito Aedes aegypti em diferentes cenários narrativos, utilizando elementos lúdicos como vidas, fases e mensagens educativas. O desenvolvimento foi estruturado em quatro fases: pesquisa e definição de requisitos; prototipagem da interface; testes e ajustes; e finalização do protótipo em versão beta. A metodologia adotada incorporou princípios de usabilidade e gamificação, com foco na aprendizagem baseada em jogos digitais (DGBL). Os resultados iniciais demonstram que foram atingidos os objetivos de aprendizagem em computação esperados na disciplina. Além disso, constata-se, já com testes informais e iniciais com usuários, uma boa recepção por parte deles e eficácia no processo de sensibilização pelo uso do storytelling e das mecânicas do jogo. O projeto evidencia como soluções de baixo custo, quando bem estruturadas, podem contribuir significativamente para a promoção da saúde e a formação cidadã. Alinhado ao Objetivo de Desenvolvimento Sustentável 3 da ONU (Saúde e Bem-Estar), o Hidden Dengue demonstra o potencial dos jogos digitais e do storytelling como instrumentos pedagógicos no combate a doenças endêmicas. Como próximos passos para investigações futuras, espera-se realizar testes estruturados com o público-alvo para extrair dados sobre a percepção acerca da aprendizagem através do jogo e aprimorá-lo.
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O presente artigo visa apresentar o poeta italiano Guido Gozzano (1883-1916), situando o leitor em relação ao período histórico, cultural e literário em que viveu e produziu, com o objetivo de facilitar a compreensão das mensagens contidas em sua poesia, a qual oferece um novo olhar sobre o complexo século XX. Para tanto, o trabalho inicia-se com uma introdução ao Novecentos e ao movimento literário conhecido como Crepuscolarismo, explicitando as características fundamentais e como o estilo refletiu as transformações da época, até chegar a Gozzano. Nascido em Turim, o poeta foi um admirador e ávido leitor de figuras influentes da literatura italiana, como Dante Alighieri (1265-1321) e Gabriele D’Annunzio (1863-1938). Nos primeiros decênios, passou a rejeitar o estetismo dannunziano, sendo anunciado como o representante da estética crepuscular após a publicação dos livros La via del rifugio (1907) e I Colloqui (1911), que evidenciam sua habilidade em mesclar a ironia e melancolia por meio da linguagem coloquial e da métrica tradicional, abordando temas como a inadequação e a doença, os quais se originaram a partir da segunda metade do século XIX com os efeitos da pós-Unificação. Após esse recorte fundamental, e considerando a necessidade de trazer à luz Guido Gozzano para ressaltar a importância de sua obra para os estudos de literatura italiana no Brasil, realizar-se-á a análise da ilustre poesia Alle soglie (1911) com reflexões obtidas a partir de revisões sobre a temática da tradução, atividade que auxiliou na resolução da primeira tarefa, favorecendo o desenvolvimento de pesquisas na área.
Um estudo pioneiro sobre o emprego da técnica da mise en abyme
A VARIAÇÃO LINGUÍSTICA MARANHENSE E A CONSTRUÇÃO DA IDENTIDADE
Este artigo tem como temática principal a variação linguística no contexto maranhense, com ênfase no léxico como expressão de identidade cultural, social e ideológica. A partir da perspectiva da língua como forma de interação social, o estudo descreve duas experiências práticas com atividades lúdicas desenvolvidas em aulas de Língua Portuguesa para turmas do 9º ano do ensino fundamental em uma escola pública de São Luís (MA). O objetivo é propor a valorização da identidade maranhense por meio do reconhecimento da diversidade linguística local. Para tanto, a base teórica é constituída de autores como Gonçalves (1994), Mira Mateus (2002), Ramos (2010), além de documentos educacionais importantes no Brasil, como os Parâmetros Curriculares Nacionais, PCNs (2015), e a Base Nacional Comum Curricular, BNCC (2018). Sendo assim, o processo metodológico envolveu leitura bibliográfica, a construção de um corpus e a aplicação prática na realidade escolar. Como resultado, há duas atividades didático-pedagógicas que podem ser utilizadas (ou adaptadas, conforme as diferentes realidades) por professores. Tais práticas em sala de aula reforçam ainda mais a importância do tema, oferecendo propostas eficazes aos professores da educação básica de todo o país. Portanto, a relevância desta pesquisa reside na importância de se reconhecer e valorizar a variação linguística como um elemento essencial na construção da identidade cultural e social dos estudantes brasileiros. No contexto maranhense, é notório que a compreensão das especificidades do léxico local não só contribui para o fortalecimento da identidade individual e regional, como também promove uma abordagem inclusiva e respeitosa da diversidade linguística.
Passados oitenta anos da Segunda Guerra (1939-1945), este artigo realiza um exame comparativo entre a produção literária e a historiografia do século XX, com destaque para Eric Hobsbawm (1917-2012), ao analisar “O mau humor de Wotan”, narrativa que abre Ave, palavra (1970), de João Guimarães Rosa (1908-1967). Emulando a ambiguidade das relações humanas e de poder no período, a ficção rosiana combina estruturas do conto e da crônica, motivo pelo qual denomino essa e outras narrativas de sua experiência alemã de “croniconto”. Nela, o autor retrata o contexto beligerante alemão por meio do casal Hans-Helmut e Márion Heubel, personagens ficcionais e amigos reais de Rosa durante sua atuação como cônsul em Hamburgo, cujas vidas foram devastadas pelo projeto expansionista de Hitler (1889-1945), o “Wotan” do título. Com base em levantamento bibliográfico e no retrato da Alemanha às vésperas da guerra, o estudo desenvolve leitura dialética que mostra como episódios da história ocidental permeiam a ficção rosiana, ao mesmo tempo em que esta preenche lacunas historiográficas. Amparado na Estética da Recepção de Jauss, sobretudo no horizonte de expectativas, o artigo examina o percurso das sociedades ocidentais no “breve século” de Hobsbawm (Era dos Extremos, 1994), buscando compreender formas de subsistir diante da crise dos valores iluministas. A articulação entre literatura e historiografia permite, assim, ampliar a interpretação de uma das faces da contemporaneidade, marcada pela ruína de impérios e pelo abalo da civilidade frente à violência.
A Pichação como arte do gesto de transgredir e resistir
Neste artigo, entendemos a pichação como uma ação e intenção de resistir e transgredir. A partir de base analítica sustentada na semiótica triádica, o objetivo desta reflexão é trabalhar a pichação como semiose, como gesto de criação, como arte e ação de potência criativa, como possibilidade, como confronto à opressão. Observamos a pichação como ato de comunicação e resistência à censura, que fortalece a democracia para entender a liberdade. Compreendemos a pichação como um operador de sentido, um gesto que, tensionando a censura , propõe propostas de liberdade. Vemos a importância da pichação, porque na parede é o gesto da episteme que procura politizar a censura e, dessa forma, a transgride , dizendo o que não pode ser dito pelas vozes caladas, nos espaços que não devem ser usados. Ao transgredir o previsto, a pichação configura uma semiose iconoclasta, que atua na provocação de estranhamento e diálogos; logo, dissona da lógica dominante, inserindo brechas na semiosfera de consumo e opressão. As imagens fotográficas, de nossa autoria, são registro analítico e atuam como ilustrações que, contínuas no texto, possibilitam as inferências realizadas no decorrer do artigo. As reflexões e análises aqui apresentadas baseiam-se em diferentes pesquisas dos autores sobre o tema.
Pichação. Resistência. Censura. Liberdade. Democracia.
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ENTRE O GESTO E A REDE: A MONTAGEM COMO OPERAÇÃO DE CONEXÕES EM NA ILHA (2020)
Ancorado nos referenciais teóricos de Vilém Flusser (2014) e Cecília Salles (2010 e 2016), este artigo oferece uma análise do documentário Na Ilha (2020) como manifestação fílmica da operação gestual de conexão em diferentes camadas: estrutural (na arquitetura em arquipélago que organiza o filme), espacial (nos ambientes das ilhas de edição entendidos como arquivos vivos) e processual (nas dinâmicas de tensão criativa entre editores e matéria-prima). Por meio de uma análise fílmica de abordagem qualitativa, são investigadas as formas pelas quais a edição cinematográfica ultrapassa o domínio técnico, configurando-se como campo de liberdade criativa, negociação coletiva e inventividade, onde restrições materiais se convertem em recursos expressivos. Ao articular os conceitos de gesto (Flusser) e redes de criação (Salles), o estudo evidencia o papel da montagem na ativação de processos colaborativos e na construção de sentidos compartilhados. Os resultados indicam que Na Ilha contribui para reconfigurar o olhar sobre a prática da edição, oferecendo subsídios teóricos e metodológicos para pesquisas futuras acerca de outros ofícios “invisíveis” do cinema, fortalecendo o entendimento da montagem como espaço de diálogo, invenção e memória do audiovisual brasileiro.
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A ABORDAGEM MIDIÁTIDA DO RACISMO NO BRASIL: UMA ANÁLISE DO CASO LIBERATUM EM SALVADOR
O Festival Liberatum, realizado pela primeira vez no Brasil com a proposta de valorizar a cultura afro-brasileira e promover a mudança social, foi marcado por episódios de racismo contra alguns artistas presentes no evento, o que gerou repercussão pública e expôs tensões entre o discurso institucional e as práticas observadas. Diante dessa contradição, esta pesquisa tem como objetivo analisar a forma como a cobertura jornalística retratou o caso, buscando compreender de que maneira eventos e coletivos progressistas também reproduzem lógicas vinculadas ao racismo estrutural ainda persistente na sociedade brasileira contemporânea. Trata-se de uma pesquisa qualitativa, de natureza exploratória-descritiva, estruturada como estudo de caso. As matérias publicadas na internet sobre o caso foram filtradas e analisadas de forma técnica, para entender como cada veículo abordou o assunto e se trouxeram profundidade para o tema. A partir da análise desse material, e com o aparato teórico de autores que retratam o racismo na mídia de forma crítica e relevante, como Lélia Gonzalez e Stuart Hall, foi possível identificar um padrão recorrente nas abordagens midiáticas: a superexposição das vítimas, frequentemente retratadas por meio de narrativas centradas no sofrimento individual, e a preservação da imagem dos agressores, cuja identificação e contextualização são muitas vezes omitidas ou suavizadas. Essa forma de cobertura contribui para a manutenção de estruturas simbólicas que reproduzem desigualdades raciais e deslocam o foco da denúncia. Deste modo, a pesquisa evidencia, assim, a importância de uma abordagem crítica sobre os modos como a mídia representa episódios de violência racial e seus desdobramentos sociais e comunicacionais.
As páginas dos jornais acadêmicos da Faculdade de Direito de São Paulo foram estruturadas de modo que a poesia e a crítica estivessem lado a lado, configurando-se como contexto propício para que a segunda encontrasse mais um espaço na eterna-singularidade da poesia romântica. Esse cenário, conhecido como publicismo romântico, foi realizado por estudantes que seriam conhecidos como a segunda geração do romantismo brasileiro. O resultado dessa fusão entre o crítico e o poeta foi poesias metalinguísticas que revelaram um código poético não mais intuitivo e oculto por metáforas divinas-religiosas, mas sim elástico e reflexivo a serviço dos costumes estudantis. Somando-se ao fato de a sociabilidade acadêmica garantia-lhes um senso de exceção frente a insípida cultura paulistana da época, a escritura da metapoesia da segunda geração romântica singularizaria mais a sua associação. O corpus da pesquisa considerou 27 jornais acadêmicos, em um intervalo de 1847 a 1869, disponíveis na Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional. A leitura dos periódicos encontrou três intenções metalinguísticas principais: a tentativa de construção de uma tradição literária, realização de moderadas críticas e autocríticas em versos esparsos e humor corrosivo com desprezo pelo código poético. A prática da metapoesia possibilitou aos acadêmicos das ciências jurídicas e sociais se autoafirmarem frente o contexto romântico oficial. Portanto, à luz de Alfredo Bosi (2019), Gilberto Mendonça Teles (1989), Maria Bochicchio (2012, 2024), Paul Hamilton (2003) e Samira Chalhub (2005), o objetivo deste artigo é analisar as produções metapoéticas que fomentaram a postura reflexiva do estudante romântico evidenciando a atividade suplementar da crítica na criação poética.
UM ARTISTA LITERÁRIO CHAMADO TOLKIEN: RECURSOS ESTILÍSTICOS E A PSEUDOTRADUÇÃO NO SEU LEGENDARIUM
Este artigo apresenta um recorte de uma pesquisa de Mestrado que analisa comparativamente duas traduções brasileiras da obra A Sociedade do Anel, de J. R. R. Tolkien. É proposta uma reflexão visando perceber como escolhas estilísticas e elementos de literariedade podem ser preservados ou transformados no processo tradutório. A primeira parte do texto dedica-se à contextualização da Terra-média e da biografia do autor. A segunda parte discute o conceito de pseudotradução e sua relevância nos escritos de Tolkien, destacando a importância de estratégias tradutórias como domesticação e estrangeirização. Conclui-se que a retradução analisada tende a preservar mais características do original, embora diferentes abordagens sejam possíveis e válidas conforme os objetivos do autor. Também é destacada e reforçada a riqueza linguística e estética das obras tolkienianas, abrindo espaço para novas investigações sobre estilo, linguagem e tradução.
Melancolia Pós-Moderna Contemplativa - A Solidão em Ghost Dog (1999), Only Lovers Left Alive (2013) e Paterson (2016)
Este estudo investiga a intersecção entre solidão na contemporaneidade e sua representação cinematográfica, a partir da noção de "melancolia pós-moderna contemplativa". Analisa-se a desconexão e introspecção dos indivíduos diante da superficialidade da sociedade pós-moderna, bem como o papel da arte, filosofia e poesia como "pontes" para a reconexão. O foco recai sobre três filmes de Jim Jarmusch — Ghost Dog (1999), Only Lovers Left Alive (2013) e Paterson (2016) —, examinando como seus personagens vivenciam a solidão e elaboram estratégias de (re)significação. O referencial teórico articula o pós-modernismo de Fredric Jameson (1997), a concepção de melancolia em Julia Kristeva (1989) e a teoria do prazer da imagem de Laura Mulvey (1975). Metodologicamente, a pesquisa adota a análise fílmica proposta por Manuela Penafria (2009), com ênfase na decomposição de cenas e nos recursos visuais que constroem a atmosfera contemplativa. Busca-se, assim, compreender como o estilo singular de Jarmusch revela a solidão como elemento central de suas narrativas e a contemplação estética como forma de ressignificação diante do vazio pós-moderno.
“FRUTOS DA MEMÓRIA”: UM RETRATO AUDIOVISUAL DO ESPAÇO CULTURAL RENATO RUSSO
Frutos da Memória (2024) é um documentário que retrata a história e a memória viva do Espaço Cultural Renato Russo (ECRR), considerado como o primeiro centro cultural de Brasília, resgatando narrativas de afeto por meio das experiências compartilhadas por seus frequentadores durante as comemorações de seus 50 anos. Mais do que um registro histórico, o filme configura-se como uma manifestação do vínculo entre o espaço e sua comunidade artística, revelando como essa relação molda, fortalece e perpetua o papel do ECRR como polo de expressão e resistência cultural na capital federal. Este artigo, portanto, resulta de uma pesquisa interdisciplinar e aplicada, cujo objetivo é apresentar os fundamentos teóricos e metodológicos que sustentaram a produção audiovisual, ao mesmo tempo em que analisa os principais fatores que contribuíram para a consolidação do espaço como referência no cenário artístico, cultural e social do Distrito Federal. Embasado nos conceitos de humanismo projetual (Bonsiepe, 2011), imaginário de Brasília (Garrossini; Santos; Nery, 2020) e notas sobre a experiência (Bondía, 2002), foi adotada uma abordagem exploratória com três enfoques: qualitativa, por meio de entrevistas semiestruturadas; bibliográfica, com revisão sobre os conceitos de design e sobre a trajetória do ECRR; e cartográfica, com safáris fotográficos. Por fim, o documentário registra a memória de um centro cultural que, mesmo em meio aos problemas estruturais, orçamentários, governamentais e privados, é o esforço coletivo que propicia a sua resistência ao tempo e à perenidade enquanto local de cultura.
EISENSTEIN - A ARTE, A HISTÓRIA, O BRASIL
Esta resenha examina o trabalho do cineasta soviético Sergei Eisenstein, O Encouraçado Potemkin (1925), que é considerado uma das melhores produções cinematográficas da história. A análise aborda alguns aspectos inovadores criados por Eisenstein, que revolucionaram a linguagem cinematográfica ao usar o poder das imagens para criar narrativas políticas e despertar emoções. O texto também fala sobre os efeitos de O Encouraçado Potemkin no Brasil, onde o filme teve um efeito de empatia com a nossa própria história. Eisenstein criou uma obra que permanece relevante para a compreensão do papel do cinema na representação e no debate sobre a revolução e a luta ao unir arte e história.
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ENTRE A PALAVRA E O DESEJO: A HOMOSSEXUALIDADE EM CENA
Este artigo analisa a representação da homossexualidade nas obras realistas brasileiras do século XIX, com ênfase nos romances O Cortiço (Aluísio Azevedo, 2010) e Bom Crioulo (Adolfo Caminha, 2010). Inseridos em um contexto histórico marcado por transformações sociais, políticas e culturais, os textos retratam de forma pioneira relações homoafetivas, desafiando os tabus e preconceitos da época. A partir de uma abordagem crítica que articula o determinismo social e os fundamentos do naturalismo, as obras evidenciam os desejos, afetos e conflitos de seus personagens, revelando a hipocrisia da moral dominante e as tensões entre corpo, sexualidade e poder. A metodologia adotada é a análise literária descritiva, de natureza qualitativa e bibliográfica, fundamentada nas contribuições teóricas de Foucault (1988), Coutinho (2002), Bosi (2002), Candido (2006), Moreira (2012), entre outros. A análise destaca a relevância desses autores na ampliação do discurso literário sobre a diversidade sexual no Brasil, contribuindo para a compreensão das relações homoafetivas em um período de intensas mudanças sociais.
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Este artigo analisa as construções da masculinidade nos contos La vitrola (Josefina Plá, 1953) e Ver para creer (Ángeles Mastretta, 2007), explorando o papel do homem na família e na sociedade, bem como as dinâmicas de gênero que permeiam essas narrativas. Ambos os textos apresentam diferentes representações da masculinidade, contrastando modelos tradicionais e opressores com figuras que desafiam normas estabelecidas. Em La vitrola, o protagonista Cepí, um jovem trabalhador, rompe com os padrões sociais ao se casar com Delpilar, uma mulher negra e mais velha. O casal enfrenta forte resistência da sociedade, e Cepí sofre intensa pressão para abandonar sua esposa, evidenciando o peso do preconceito e da discriminação. O conto aborda questões como racismo, etarismo e hipocrisia social, ao mesmo tempo que propõe uma visão alternativa da masculinidade, baseada no afeto e na resistência contra normas opressoras. Já em Ver para creer, a narrativa segue Paula, uma mulher que dedicou sua vida ao marido, um político egocêntrico que a troca por uma mulher mais jovem. Após diversas tentativas de suicídio, Paula se reinventa e se torna uma executiva bem-sucedida. O conto critica a masculinidade pautada no poder e na ausência de empatia, revelando a desigualdade de gênero presente nas relações afetivas e sociais. Como suporte teórico, utilizamos as obras e estudos de Carla Akotirene (2019), Gerda Lener (1990), Antonio Candido (2006), dentre outros. Dessa forma, o estudo evidencia como as autoras utilizam a interseccionalidade de gênero, classe e etnia para questionar concepções tradicionais de masculinidade e sugerir novas perspectivas sobre as relações de poder.
O artigo se propõe a discutir a complexidade da figura monstruosa a partir do personagem Cipriano, fruto do universo fantástico do diretor brasileiro Rodrigo Aragão. Assim, debruça-se sobre dois artefatos culturais: o filme O Cemitério das Almas Perdidas (2020), dirigido por Rodrigo Aragão, e a história em quadrinhos O Livro Maldito de Cipriano, escrita e desenhada por Eduardo Cardenas, com o objetivo de analisar como o personagem Cipriano se apresenta em cada um deles. Dessa forma, tem-se uma análise transmídia. Nesse sentido, considera-se as particularidades que cada um desses artefatos culturais pode apresentar, embora a análise esteja centrada em um mesmo personagem, pertencente a um mesmo universo. Para os fins propostos, considerando as complexidades e problemáticas que podem surgir a partir da análise de dois artefatos culturais distintos, parte-se do campo teórico dos Estudos Culturais, adotando a metodologia da etnografia de tela como norteadora, mas utilizando como aporte, respectivamente, o método comparativo e a análise cultural. Acredita-se que o artigo tem o potencial de apresentar a complexidade com que a figura monstruosa pode se manifestar em uma narrativa de horror, independentemente do artefato cultural. A partir da figura monstruosa do personagem Cipriano, nota-se a complexidade e as multifacetas do monstro, que se apresenta como uma figura intimamente relacionada com o contexto histórico e sociocultural em que está inserida. O personagem Cipriano, para além de evidenciar o potencial do horror brasileiro, contribui para problematizações valiosas a respeito de como lidamos com a diferença na sociedade e ao longo da história brasileira.
RETOMADAS E ESPELHAMENTOS DE ALGUNS ELEMENTOS DO CONTO “O COBRADOR” PELO ROMANCE O MATADOR
Este artigo tem como principal objetivo analisar trechos de dois textos da literatura brasileira contemporânea, o primeiro é o conto “O cobrador”, de Rubem Fonseca, e o segundo é o livro O matador, de Patrícia Melo. Ambas as obras apresentam tema e estilo muito semelhantes. São narrativas que tratam do tema da violência urbana, expondo o lado cruel do ser humano em atos de barbárie. Os textos foram escritos de maneira bastante direta e objetiva, aproximando seus autores quanto aos seus estilos. A partir da compreensão da ideia de intertextualidade, que foi elaborada pela pesquisadora Julia Kristeva, em 1966, tendo como base os estudos do filósofo Mikhail Bakhtin, discutiremos as diferentes aproximações que podem acontecer entre textos. Centrando, então, a nossa atenção para a técnica da mise en abyme, que se popularizou com o escritor André Gide, no início do século XX, usaremos como nosso principal eixo teórico o livro El relato especular, de Lucien Dällenbach (1991), complementado com estudos críticos de Alonso (2017, 2024), Carvalho (1983), Ginzburg (2010), Goulet (2006), Labeille (2011), Nitrini (2021). O objetivo é identificar e analisar a presença da referida técnica na relação de encaixe e espelhamento que podem acontecer entre obras distintas ou dentro de um mesmo texto. Em nossa análise, a investigação se deu entre as duas obras supracitadas e, com ela, comprovamos que a mise en abyme tem a capacidade de proporcionar uma experiência bastante singular, ampliando aspectos das duas narrativas que selecionamos para este artigo. Além disso, também pode ser fonte de pesquisa em textos que estão surgindo em nossa literatura atualmente, assim como em escritos que já foram publicados há mais tempo, abrindo a possibilidade de novos estudos. Dessa maneira, fica evidenciada a sua versatilidade e relevância nos estudos contemporâneos de literatura.
Esta pesquisa realiza uma investigação bibliográfica de diversas obras de Karl Marx, Friedrich Engels e Max Horkheimer para explicar certos aspectos do desenvolvimento da Teoria Crítica do frankfurtiano enquanto abordagem teórica materialista histórico-dialética. Com essas considerações, aponta-se as reflexões e observações dos três autores sobre a formação da cultura na constituição material e histórica da sociedade, bem como os conflitos e contradições nas quais as produções culturais estão inseridas. Assim, cria-se o cenário para discutir como os pensadores observam a comunicação, mais especificamente os meios de comunicação, dentro das dinâmicas ideológicas e disputas de classe da sociedade capitalista.
A SIMBOLOGIA DA ÁGUA NAS CANTIGAS DE MILAGRE, DE DOM AFONSO X: CANTIGA 95 DE SANTA MARIA
As Cantigas de Santa Maria, compostas no século XIII por ordem de D. Afonso X, o Sábio, constituem um rico painel da cultura medieval e revelam a profunda relação entre o homem do medievo e a natureza, especialmente a água que, nesse cenário, emerge como elemento central, carregado de simbolismo e significado. Em um contexto marcado pela forte religiosidade e estreita relação entre o homem e a natureza, a água, presente em diversas manifestações – desde as chuvas que fertilizam a terra até os oceanos que inspiram temor –, assume um papel fundamental nos milagres atribuídos à Virgem Maria. A CSM 95, por exemplo, narra um episódio em que a Virgem acalma uma tempestade, transformando a água, antes ameaçadora, em instrumento de salvação. A análise da água nas Cantigas de Santa Maria permite-nos compreender como esse elemento natural se entrelaça com o sagrado, mediando a relação entre o homem e o divino. A Virgem Maria, como figura materna e protetora, utiliza a água como instrumento para realizar seus milagres, demonstrando seu poder sobre as forças da natureza e sua compaixão pelos homens. Ao explorar essa temática, este trabalho busca contribuir para uma melhor compreensão da religiosidade popular medieval e da relação entre o homem e o meio ambiente. A água, além de elemento essencial à vida, revela-se como um poderoso símbolo cultural, carregado de significados que transcendem o tempo e o espaço. As circunstâncias que envolvem a água são múltiplas, tornando-se elemento primordial e protagonista dos milagres realizados por intermédio da Virgem Maria, indicando-nos a relação existente entre os grupos humanos e o meio em que estes estavam envoltos.
Água. Cantigas de Santa Maria. Milagres. Imagens. Texto.
RACISMO E MISOGINIA NA COMUNIDADE COSPLAY
O trabalho utiliza da intersecção de raça e gênero para analisar os comentários no vídeo MEU EXPOSED (e o preconceito na comunidade cosplay) da influenciadora digital negra, Magic Phyra. O objetivo é observar como violências interseccionais ocorrem em espaços digitais e físicos dedicados à comunidade cosplay, quais são os impactos e o enfrentamento e permanência ou não de pessoas que gostam da prática. Como referencial teórico, é acionado os conceitos de culturas, representação, estereótipo, imagens de controle, interseccionalidade, cultura de fãs, bem como a sua problematização. Como metodologia, foi analisado o conteúdo do vídeo de Magic, bem como os 499 comentários públicos dos vídeos. Foram criadas seis categorias de análise, focando em percepções de preconceito, racismo, misoginia e sexismo, clareamento de pele, desencorajamento e autoaceitação de cosplayers ou de pessoas que desejam iniciar ou voltar para a prática. Como resultados, as violências interseccionais são os principais fatores que afastam ou desencorajam a participação na comunidade. Muitas pessoas negras afirmaram clarear a pele com maquiagem e edição de fotos, perder peso e fazer cirurgias para se encaixar nas expectativas do padrão de personagens. A baixa representatividade negra no audiovisual limita as escolhas das pessoas negras, as fazendo se sentirem inseguras na hora de interpretar personagens brancos ou amarelos. Entretanto, com a influência digital, está sendo comum encontrar pessoas negras cosplayers, servindo de inspiração para outras, como é o caso de Magic Phyra, que enfatiza sobre a autoaceitação, adaptação do cosplay a seus corpos e de que a prática deve ser divertida e prazerosa para todas as pessoas.
Dados Técnicos - v.2 n.3 - Set-Dez